曲目列表
专辑简介
专辑介绍：尼尔斯·罗辛·斯科创作的室内乐兼具感官魅力与有机质感，作品中充满鲜明对比，音色优雅动人。这张专辑收录了四部作品——从活力四射的《空中舞蹈与符号》到饱含深情的《呼吸，因此我是》，并以他对德彪西《六首古风短诗》的精妙演绎收尾，为整张专辑画上圆满句点。作曲家介绍：尼尔斯·罗辛·斯科（Niels Rosing-Schow）在丹麦接受教育后，于法国找到了属于自己的音乐风格。他的作品充满感性与暗示性，根植于“和声与音色本为一体”的创作信念，既带着丹麦人特有的清晰逻辑，又蕴含着北欧文化中对自然规律的普遍尊崇。他曾就读于哥本哈根大学和丹麦皇家音乐学院，但真正让他在音乐上实现顿悟的，是在法国的奖学金学习经历。受伊安尼斯·泽纳基斯（Iannis Xenakis）影响，他开始发展出一种“光谱风格”——在这种风格中，乐器的音色与色彩在结构上的重要性，与传统和声不相上下。他并未压抑自身的抒情本能，而是用新的思维将其转化：以更具探索性的视角审视创作素材，以自然规律为指引，逐渐打磨出一套基于过程的创作技法。这使得他的许多乐谱呈现出如雕塑舒展、植物绽放般的动态感，既带着客观的观察视角，又留下鲜明的个人印记。这种创作理念也让他对“时间”与“变形”产生了浓厚兴趣，这一点在《Ritus》（1990）系列作品，以及献给热拉尔·格里西的三部曲《时间的幽灵》（Spectre du temps，2004）、《时间的印记》（Empreintes du temps，2006）、《时间的描绘》（Peinture du temps，2004）中体现得尤为明显。美感与清晰度始终是罗辛·斯科音乐的突出特质，即便在作品聚焦技术目标时，这一特征也未曾褪色。《中提琴之声》（ViolaSounds，2015）是他深入探索单一乐器潜能的成熟范例，作品中贯穿了“蜕变”的进程；《轨道》（Orbis，2002）则以同样严谨的态度对待整个弦乐组。《合金系列》（2009-2016）将乐器组合置于他的频谱理念之下，通过“熔化”基础音色，让二重奏乐器仿佛融合为一个有机整体。 近年来，罗辛·斯科的创作深入探索空间与想象的领域。“光与亮度”一直是他创作的核心主题：从1992年的管弦乐作品《风吹过的风景》，到2003年的《春分》（其中充满光线的素材逐渐转向幽暗），再到2005年的《黑圣母》，这一主题在不同时期的作品中延续，形成了厚重而连贯的风格脉络。罗辛·斯科曾受丹麦多家乐团的委约创作，包括丹麦国家交响乐团、哥本哈根阿特拉斯室内乐团等，同时与法国乐团TM+保持着密切合作。目前，他担任丹麦皇家音乐学院作曲教授。艺术家介绍：比约克·莫根森（Bjarke Mogensen）出生并成长于博恩霍姆岛，凭借精湛的口琴技艺与对多元风格的敏锐感知，迅速成为国际公认的口琴大师和多才多艺的音乐家。 13岁时，他便在德国电视广播中与慕尼黑交响乐团合作完成个人首演，吸引了数百万观众。从那时起，他对新声音与新表达方式的强烈好奇心和探索欲，引领他踏上了一条鲜有音乐家涉足的音乐之路，并成为古典音乐界备受追捧的独奏家。丹麦大提琴家托克·莫尔德鲁普（Toke Møldrup ），被誉为“明星”（《纽约时报》）、“明日之星”甚至“小提琴上的完美主义者”（《Politiken》），他在欧洲、美国、南美洲、澳大利亚、中东和亚洲巡回演出已有二十年。作为一名独奏家，莫尔德鲁普在指挥家文森特·德·科尔特、桑图·罗瓦利、兰·水、武田英明等人的带领下，与丹麦和国际交响乐团合作，并在伯根国际音乐节、林肯国际室内乐音乐节、蒙特卡洛春季艺术节和奥伯斯多夫音乐夏日节等音乐节上演出。他对发展大提琴曲目有着浓厚的兴趣，首演了许多当代作曲家的作品，其中包括约翰·威廉姆斯大提琴协奏曲的欧洲首演、杰弗里·戈登大提琴协奏曲的世界首演以及克里斯蒂安·温瑟·克里斯蒂森的双协奏曲。 丹麦室内乐团（The Danish Chamber Players）位于洛兰岛的富格桑庄园内的现代艺术与音乐中心KUMUS，是丹麦五支室内乐团之一，通过在所属市镇及斯托尔斯特罗姆文化区举办高水准音乐会与项目，在营造充满活力且多元的音乐环境中发挥核心作用。自1991年成立以来，该乐团由八位杰出的室内乐音乐家组成，以独特的乐器配置汇聚在一起：三位弦乐演奏家、三位管乐演奏家、一位钢琴家和一位竖琴家。这种阵容为乐团提供了广泛而多样的曲目基础，涵盖从古典杰作到创新音乐体验的各个领域。该乐团每年举办约100场音乐会，特别注重将音乐带给观众。这通过传统音乐会到在替代场地举办的创新形式等多种方式实现。乐团还致力于广泛的音乐教育计划，与儿童进行创意合作。让·托雷尔（Jean Thorel）作为新音乐与稀有音乐的热忱开拓者，已执棒超过750场世界首演。2008年至2016年，他担任香港城市室内乐团首席指挥，客座指挥经历涵盖丹麦室内乐团、奥胡斯交响乐团、伦敦皇家爱乐乐团、爱乐乐团、都柏林爱尔兰国家交响乐团、丹麦皇家芭蕾舞团、新加坡交响乐团等。他的唱片目录广受赞誉，包含35张以上的DVD和CD，其中2002年与莫斯科当代音乐团合作录制的路易斯·萨格（Louis Saguer）作品专辑，曾荣获奥菲尔金奖（Orphée d’Or）。欧美777
十九世纪末，走过黄金颠峰的浪漫主义音乐尽管如天边的晚霞，余晖仍然耀眼，但不少音乐家已敏锐地感觉到，这种垄断乐坛的风格和手段已不能让他们尽抒胸臆。要表现更复杂的内心和音响，就要有新的技法和区别于传统的音乐语言。果然进入二十世纪后便先后涌现出德彪西、勋伯格、斯托克豪森和凯奇等—个比—个叛逆的音乐家，各种流派学说更多如过江之鲫让人“耳”花缭乩。至于身处时代交替中的法国作曲家萨蒂，他以神秘的风格和怪异的曲名向我们讲述出他内心的迷惘和寻觅，并展露了具特立独行的性格。埃里克•萨蒂(Erik Satie)1866年出生于法国的翁弗勒尔，父亲是法国人，母亲是苏格兰人。他7岁时开始学弹钢琴，13岁时被父亲带到巴黎并进入巴黎音乐学院学习。据说，萨蒂早年虽有音乐天赋，但却生性不羁，不喜欢接受严格的正规训练，因而虽在音乐学院断断续续地读了几年，但成绩都不太好。不过在此期间．他却出版了他的第一部钢琴作品，编号为作品62号。1886年萨蒂因应征入伍而中断学业，两年后退役在巴黎的几家餐馆中以弹奏钢琴为生。1888年他写了最著名的钢琴作品《裸体歌舞》，并在差不多的时间与尚未成名的德彪西相识，其新颖的和声手法使德彪西大受启发。之后，萨蒂加入了一个神秘的玫瑰十字教派，并为该教派创作乐曲，如《来自玫瑰与十字架的钟声》、《玫瑰与十字架的第—思考》等。此后他似乎才思枯竭，十多年的时间只写了为数不多的几首作品，直到1903年写出了《梨形曲》。1905年年近40的萨蒂突然入读圣咏学院师从著名作曲家丹弟和鲁塞尔学习作曲理论。同年受到听众的认同。三年的学院生涯没白过，离校后萨蒂的技艺有了长足的进步。1910年开始已有一些年青音乐家被他吸引，由奥里克、迪雷、奥涅格、米约、普朗克和塔耶弗尔组成的“六人团”（Le Six）对他更是顶礼膜拜。深受其影响。1917年采爵士乐节奏并在配器中加入厂打字机、轮船气笛和警报器声响的芭蕾舞剧《游行》(Parde)问世，从此一举成名，此时的萨蒂已是5l岁的老人了，可谓大器晚成。萨蒂的创作虽难脱浪漫派的痕迹，却有着十分另类的特色，与同时期的法国作曲家德彪西、拉威尔一样，他们都力图摆脱瓦格纳的音响，突破浪漫主义的窠臼探寻新的音乐词汇。他的音乐简洁洗练、锐意创新，不但有《裸体歌舞》、《古老和即时的时刻》、《梨形曲》、《木制胖妇人的素描和媚态》等独树一帜的标题，也用了许多前无古人的新技法，但听起来却绝不像勋伯格、斯托克豪森等先锋派音乐那么“难听”、他不是用大量半音音阶模糊或取消调性的手法去表现乐思，而是用取消小节让节奏变形，在乐句结束时不作“解决”等技术来处理音乐。因此给人感觉不仅没有刺耳的歇斯底里，反如一帧帧若隐若现的图景，在记忆中交错转换。在某些作品中与德彪西的音乐有异曲同工之趣。萨蒂和德彪西是同时代人，但萨蒂专注宗教、心无旁骛；德彪西却热衷名利，喜好交结，因此今日论名头德彪西就比萨蒂响多了。不过，萨蒂对后辈音乐家还是有相当影响的，法国的“六人团”就将他尊为“教父”，而以后的亨德米特乃至奥地利的勋伯格，都可以从他们身上找到萨蒂的痕迹。美国实验音乐家凯奇也自称受到过萨蒂的影响。
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